Muzeum J. Paula Getty

Muzeum J. Paula Getty


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Muzeum J. Paula Getty'ego w Malibu w Kalifornii znajduje się na wzgórzu w górach Santa Monica, tuż przy autostradzie San Diego. Uważał sztukę za wpływ oświecający; jego perspektywa doprowadziła do powstania muzeum. Muzeum Getty'ego, zbudowane po raz pierwszy w 1971 roku, prezentuje kolekcję sztuki zachodniej Getty'ego od średniowiecza do współczesności, na tle dramatycznej architektury, spokojnych ogrodów i zapierających dech w piersiach widoków na okolice Los Angeles – Ocean Spokojny, góry San Gabriel i rozległa siatka ulic miasta. Jego celem jest uczynienie kolekcji atrakcyjną i znaczącą dla odwiedzających poprzez prezentację i interpretację zbiorów. Zbiory obejmują malarstwo europejskie, rysunki, rękopisy, rzeźbę i sztukę dekoracyjną oraz fotografie europejskie i amerykańskie. Muzeum rozpoczęło kolekcje malarstwa w latach 30. XX wieku pod wnikliwym kierownictwem samego Getty'ego. Bogata kolekcja obejmuje obrazy z okresu renesansu północnowłoskiego, malarstwo barokowe z Włoch i Flandrii, XVII-wieczne dzieła holenderskie oraz XVIII- i XIX-wieczne dzieła francuskie. Dział Fotografii posiada dziewięć kolekcji i kilka innych fotografii nabytych w 1984 roku. autorstwa Paula Gauguina, Vincenta Van Gogha, a ostatnio rzadki rysunek Michała Anioła dodają muzeum pewnego podziwu.J. Kolekcje rzeźby europejskiej Paula Getty'ego obejmują błyszczące dzieła z włoskiego renesansu, francuskiego i brytyjskiego neoklasycystycznego okresu. J. wzmocnił sławę muzeum. Getty Museum Trust stworzyło kolejny punkt kulturowy, otwierając J. jako centrum edukacyjne i muzeum , Getty Villa poświęcona jest badaniu sztuki i kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Konserwacja jest podstawowym obowiązkiem Muzeum J. Paula Getty'ego i istotnym elementem misji Muzeum.


* Naczynia ceramiczne z nieprzezroczystą glazurą z tlenku cyny, zwykle mocno zdobione.


Centrum Getty

ten Centrum Getty, w Los Angeles w Kalifornii, jest kampusem Getty Museum i innych programów Getty Trust. Centrum warte 1,3 miliarda dolarów zostało otwarte 16 grudnia 1997 r. [2] i jest dobrze znane ze swojej architektury, ogrodów i widoków na Los Angeles. Centrum znajduje się na szczycie wzgórza połączonego z parkingiem dla gości u podnóża wzgórza za pomocą trzyczłonowego poduszkowca ciągniętego przez kabel. [3]

Centrum, położone w dzielnicy Brentwood w Los Angeles, jest jedną z dwóch lokalizacji Muzeum J. Paula Getty'ego i przyciąga 1,8 miliona odwiedzających rocznie. (Druga lokalizacja to Getty Villa w dzielnicy Pacific Palisades w Los Angeles w Kalifornii.) W oddziale Centrum Muzeum znajdują się europejskie obrazy, rysunki, iluminowane rękopisy, rzeźby oraz sztuki dekoracyjne i fotografie z lat 30. XIX wieku. do dnia dzisiejszego z całego świata. [4] [5] Ponadto w kolekcji Muzeum w Centrum znajdują się rzeźby plenerowe eksponowane na tarasach iw ogrodach oraz duży Ogród Centralny zaprojektowany przez Roberta Irwina. Wśród eksponowanych dzieł sztuki jest obraz Vincenta Van Gogha Irysy.

Zaprojektowany przez architekta Richarda Meiera, kampus mieści również Instytut Badawczy Getty (GRI), Instytut Ochrony Getty, Fundację Getty i Fundusz J. Paul Getty Trust. Projekt Centrum zawierał specjalne przepisy dotyczące obaw związanych z trzęsieniami ziemi i pożarami.


Życie osobiste J. Paula Getty

Ten sukces doprowadził do zwrócenia na siebie uwagi, zwłaszcza żeńskiej, a Getty poślubił w sumie trzy razy tylko w latach dwudziestych. Jego ojciec, od którego zrodził się jego sukces biznesowy, był bardzo zmartwiony rozpustną naturą syna i po jego śmierci zostawił mu zaledwie ułamek jego 10 milionów dolarów fortuny. Nie żeby to miało znaczenie — Getty był już wtedy multimilionerem, przyćmiewając nawet swojego ojca.

Jednak tuż przed śmiercią w 1930 roku ojciec Getty'ego, George, był cytowany, jak powiedział, że lekkomyślność, kaprysność i obsesja na punkcie pieniędzy jego syna ostatecznie doprowadzi do zniszczenia firmy, którą wspólnie zbudowali. Jednak sprytne inwestycje i umiejętności biznesowe sprawiły, że młodszy Getty rozkwitł. Znakomicie przetrwał burzę finansową Wielkiego Kryzysu i przejął firmy naftowe od Tidewater Oil po Pacific Western Oil Corporation i rozwijał swój biznes, aż objął nie tylko Amerykę, ale cały świat.


Imperium naftowe

Po ukończeniu studiów Getty wrócił do Stanów Zjednoczonych i zaczął pracować jako dziki, kupując i sprzedając leasing ropy w Oklahomie. W 1916 Getty zarobił pierwszy milion dolarów na dobrze prosperującej studni i wraz z ojcem założył Getty Oil Company. Dzięki nowej fortunie na krótko przeszedł na emeryturę, by prowadzić spokojne życie w Los Angeles, po czym w 1919 roku powrócił do biznesu naftowego.

W latach dwudziestych Getty i jego ojciec nadal gromadzili bogactwo dzięki wierceniom i pośrednictwu w dzierżawie. Kiedy George zmarł w 1930 roku, Getty otrzymał spadek o wartości 500 000 dolarów i został prezesem firmy naftowej swojego ojca, chociaż jego matka zachowała pakiet kontrolny.

Na nowym stanowisku Getty postanowił zrestrukturyzować i rozwinąć firmę w samowystarczalną firmę, która robiła wszystko, od wiercenia, przez rafinację, po transport i sprzedaż ropy. Zaczął kupować i przejmować kontrolę nad innymi firmami, w tym Pacific Western Oil, Skelly Oil i Tidewater Oil. Po II wojnie światowej Getty również zaryzykował, inwestując miliony w „strefę neutralną” między Kuwejtem a Arabią Saudyjską. Jego ryzyko opłaciło się w 1953 roku, kiedy wydobyto ropa i zaczęła płynąć w tempie 16 milionów baryłek rocznie.

W 1957 r. Fortuna magazyn nazwał Getty najbogatszym człowiekiem na świecie. Dziesięć lat później skonsolidował swoje interesy biznesowe w Getty Oil Company, a do połowy lat 70. szacowano, że zbudował osobistą fortunę od 2 do 4 miliardów dolarów.


Willa J. Paula Getty'ego zbudowana, ale nigdy nie widziała

Jak na ironię, J. Paul Getty nigdy nie widział Getty Villa. Zmarł dwa lata po tym, jak jego muzeum zostało otwarte dla publiczności w styczniu 1974 roku w nowym budynku wzorowanym na starożytnym, luksusowym domu rzymskim. Dopiero po śmierci Getty'ego w czerwcu 1976 roku wrócił ze swojej posiadłości w Anglii na swoje „ranczo” na wybrzeżu Pacyfiku: jest tam pochowany na skraju posiadłości, na prywatnej działce z widokiem na ocean, obok swojego najstarszego i najmłodsi synowie, George i Timothy, obaj przed jego śmiercią.

Po remoncie i ponownym zainstalowaniu galerii, Getty Villa otwiera nowy rozdział w swojej historii. Chociaż Getty nigdy nie spojrzał na swoje dzieło, historia o tym, jak zbudował Willę i zgromadził swoją kolekcję, przenika galerie do dziś. Zestaw odnowionych pokoi – Galerie 105 do 108 – dzieli tę historię. Zawierające starożytne dzieła sztuki kupione przez Getty'ego wraz z dokumentami archiwalnymi, nowe ekspozycje umieszczają przedmioty w ich kontekstach kulturowych i rzucają światło na osobisty związek Getty'ego z jego muzeum i miejscem ostatniego spoczynku.

Od domu na ranczu do starożytnej willi

Getty kupił 64-akrowe ranczo – niegdyś część Rancho Boca de Santa Monica, meksykańskiego dotowania ziemi o powierzchni 6656 akrów z początku XIX wieku – tuż po zakończeniu II wojny światowej, z przeznaczeniem na weekendowe odosobnienie, w którym jego piąta żona Theodora („Teddy”) potrafił jeździć konno i mógł pokazywać swoją rosnącą kolekcję dzieł sztuki.

Dom na ranczu przed remontem, w latach 1920-1945. Instytut Badawczy Getty'ego, Archiwum Instytucjonalne

Znał dobrze okolicę, ponieważ posiadał już mały domek na plaży w pobliskim Santa Monica, zaledwie kilka kroków od rozległego kompleksu, który jego przyjaciel i rywal kolekcjoner, William Randolph Hearst, zbudował dla aktorki Marion Davies. (Osiedle Davies to teraz Annenberg Community Beach House, podczas gdy dom na plaży Getty'ego został zastąpiony przez duży nowoczesny kompleks mieszkaniowy, 270 Palisades Beach Road.)

Po zakupie nieruchomości Getty przebudował niski „Ranch House”, dodając drugie piętro i kilka elementów w stylu hiszpańskim. Chociaż Getty opuścił Stany Zjednoczone na stałe w 1951 roku, pozostawiając Teddy'ego i ich syna Timmy'ego, nadal wypełniał Ranch House dziełami sztuki, aw 1954 otworzył go dla publiczności jako Muzeum J. Paula Getty'ego.

Duża galeria antyków w Getty Ranch House w latach 1957-1974. Na drugim końcu galerii stoi Lansdowne Hercules. Instytut Badawczy Getty'ego, Archiwum Instytucjonalne

Z czasem dobudował budynek, aby pomieścić swoją rosnącą kolekcję, a pod koniec lat 60. musiał się dalej rozwijać. Architekci Getty'ego opracowali kilka propozycji w różnych stylach – hiszpańskim, europejskim i nowoczesnym – z których wszystkie odrzucił. Ostatecznie zdecydował się zbudować replikę starożytnej Villa dei Papiri w Herkulesie, która została pochowana podczas erupcji Wezuwiusza w 79 rne.

Spotkanie z historią starożytną i współczesną

Kilka nowo zainstalowanych galerii na pierwszym piętrze Getty Villa zawiera obiekty, które mówią zarówno o ich starożytnej, jak i współczesnej historii. W Galerii 105, znanej jako Sala Kolorowych Marmurów, dominuje marmurowy posąg Wenus. Getty chętnie przyznał, że „lubił towarzystwo kobiet”, a kiedy Willa została otwarta w 1974 roku, cała galeria poświęcona była wizerunkom bogini miłości.

Planując nową ekspozycję, zdecydowaliśmy więc, że pierwsza z dwóch wbudowanych witryn w tej galerii skupi się na przedstawieniach Wenus w różnych mediach: terakota, marmur i brąz. Najmniejszy przedmiot w tej skrzynce, misternie wykonana głowa bogini z brązu, kiedyś przymocowana do większej postaci, jest godna uwagi ze względu na zachowanie złotego kolczyka z pojedynczą perłą. Perły były bardzo cenione w starożytności, podobnie jak dzisiaj, i osiągały ogromne ceny.

Największy obiekt w obudowie, grupa terakoty Kobieta leżąca na kanapie z amorkami, jest jeszcze bardziej intrygujący. Jest to pierwsza „starożytność”, którą kupił Getty. W 1939 roku, kiedy był w Rzymie zaloty do Teddy'ego, który uczył się na śpiewaka operowego, złożył szereg nieobecnych ofert na przedmioty sprzedawane z arystokratycznej kolekcji w Londynie. Szczególnie interesowały go gobeliny, ale na tej samej stronie katalogu aukcyjnego, co niektóre z najbardziej pożądanych przez niego przedmiotów, znajdowała się aukcja tej terakoty. Był związany z podobnymi znalezionymi w greckim miejscu Tanagra pod koniec XIX wieku. Te dzieła sztuki były popularne wśród kolekcjonerów ze względu na żywotność ich kompozycji i wgląd, jaki wydawały się wnosić w codzienne życie w starożytnym świecie.

Statuetka kobiety leżącej na kanapie z amorkami, 1875-90, prawdopodobnie wykonane w Grecji. Terakota, pigment i złoto, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 cala. Muzeum J. Paula Getty'ego, 78.AK.38. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

Fragment osobistej kopii katalogu aukcyjnego Sotheby’s z Cam House w Londynie autorstwa J. Paula Getty'ego. Instytut Badawczy Getty

Podobnie jak w przypadku wszystkich swoich zakupów, Getty był sprytny, starając się uzyskać najlepszą możliwą cenę. Ale jego opatrzony adnotacjami katalog aukcji, ponownie odkryty w zbiorach biblioteki Getty Research Institute przez byłą asystentkę kuratorską Muzeum Getty, Laure Marest-Caffey (obecnie Cornelius i Emily Vermeule, kuratorzy sztuki greckiej i rzymskiej w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie) ujawnia, że Sam Getty miał wątpliwości co do jego autentyczności. Na marginesie pod wpisem napisał: „nowoczesny?” Terakota należała do czcigodnej angielskiej kolekcji, więc Getty był gotów zaryzykować. Jego niska oferta 10 funtów zwyciężyła, ale jego pierwsza starożytność okazała się wcale starożytnością.

Historia na wyświetlaczu

Tę i inne historie o J. Paulu Gettym i rozwoju jego kolekcji opowiada innowacyjna wystawa w Galerii 107. Opierając się na trwającej instalacji J. Paul Getty: Życie i dziedzictwo w Getty Center ten interaktywny program, zainstalowany obok niektórych ulubionych starożytnych rzeźb Getty'ego, pozwala odwiedzającym zapoznać się z setkami archiwalnych fotografii, map, wykresów i innych zasobów związanych z rodziną Getty'ego, biznesem, podróżami, rozwojem jego kolekcji, decyzją o zbudować willę i trwałe dziedzictwo.

Herkules Lansdowne, około 125 AD, Roman. Marmur, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 cala. Muzeum J. Paula Getty'ego, 70.AA.109. Na zdjęciu w Świątyni Herkulesa (Galeria 108).

Galeria 108, znana jako Świątynia Herkulesa, wygląda podobnie jak przed ponowną instalacją, ale teraz oferuje ulepszone oświetlenie i mniejszy izolator sejsmiczny pod słynną statuą Herkulesa Lansdowne. Ta zmiana pozwala większej liczbie wspaniałej polichromowanej marmurowej podłogi pokazać, że jest to replika jednego z pierwszych znalezisk dokonanych przez kopaczy studni, którzy odkryli Villa dei Papiri w 1750 roku. Starożytna willa jest sama w sobie centrum nowo zainstalowanego cubiculum tuż przy Atrium , Galeria 101C i będzie przedmiotem międzynarodowej wystawy wypożyczeń latem 2019 roku.

Chociaż Getty nigdy nie odwiedził swojej willi, jego dziedzictwo nadal trwa. Od jego architektonicznych wyborów po zebrane przedmioty, jego dwudziestowieczna historia miesza się z historią starożytności, tworząc historie, które urzekają nas do dziś.


Wirtualna wycieczka po Muzeum Getty

“Canal Grande w Wenecji od Palazzo Flangini do Campo San Marcuola” by Canaletto

“Kanał Grande w Wenecji od Palazzo Flangini do Campo San Marcuola” autorstwa Canaletto został namalowany w 1738 roku.

Kompozycja ta nazywana jest wedutą (po włosku “view”), co oznacza bardzo szczegółowy, zwykle wielkoformatowy obraz przedstawiający pejzaż miejski lub inny widok.

Ten obraz wendy przedstawia górne partie Canal Grande w Wenecji we Włoszech, w pobliżu wejścia do Cannaregio Canal. Obrazy Venduty były popularne wśród bogatych turystów odwiedzających Wenecję w połowie XVIII wieku.

“Modern Rome – Campo Vaccino” autorstwa J.M.W. Tokarz

“Nowoczesny Rzym – Campo Vaccino” autorstwa J.M.W. Turner to pejzażowa wizja nieodkopanego Forum Romanum, wciąż zwanego Campo Vaccino, co oznacza „pastwisko dla krów”, mieniące się w mglistym świetle.

Dziesięć lat po ostatniej podróży do Rzymu Turner wyobraził sobie Rzym z pamięci. Kościoły i starożytne zabytki na Forum Romanum i wokół niego rozpływają się w jasnych kolorach.

Po lewej wschodzi światło księżyca. Słońce zachodzi za Kapitolem po prawej stronie.

“Irysy” autorstwa Vincenta van Gogha

“Irysy” to jeden z kilku obrazów Vincenta van Gogha przedstawiający ‘Irysy’ i jeden z serii obrazów, które namalował w azylu w Saint-Rémy we Francji w ostatnim roku przed śmiercią.

W 1889 roku, po kilku epizodach samookaleczeń i hospitalizacji, Van Gogh zdecydował się na wstąpienie do azylu. Tam w ostatnim roku przed śmiercią stworzył ponad 120 obrazów.

Wkrótce po wejściu do azylu Van Gogh założył Irysy, pracując z natury w ogrodzie azylu. Nazwał malarstwo “piorunochronem dla mojej choroby” ponieważ czuł, że mógłby uchronić się od szaleństwa kontynuując malowanie.

“Po kąpieli, kobieta susząca plecy” autorstwa Edgara Degasa

“Po kąpieli, kobieta susząca plecy” autorstwa Edgara Degasa to obraz kąpiącej się kobiety klęczącej na krześle przykrytym ręcznikami, gdy wygina plecy nad oparciem krzesła, jakby chciała coś podnieść prawą ręką .

Grafika ta jest częścią serii fotografii, rycin, rysunków, wstępnych szkiców pastelami i olejami Degasa z tego okresu, przedstawiających kobiety podczas kąpieli.

Degas często wykorzystywał szkice i fotografie jako wstępny krok do badania światła i kompozycji swoich obrazów. Ta praca jest częścią serii, która przedstawia kobiety, jak w tym przykładzie, w niezręcznych i nienaturalnych pozycjach.

Degas powiedział, że zamierza stworzyć wrażenie w widzu “jakbyś spojrzał przez dziurkę od klucza.”

“Wheatstacks, Snow Effect, Morning” autorstwa Claude'a Moneta

“Wheatstacks, Snow Effect, Morning” autorstwa Claude'a Moneta jest częścią serii stosów zebranej pszenicy. Seria składa się z dwudziestu pięciu płócien, które Monet rozpoczął pod koniec lata 1890 roku i chociaż Monet stworzył również wcześniejsze obrazy z tym samym tematem stosu.

Impresjonistyczny serial słynie z tego, że Monet powtórzył ten sam motyw, aby pokazać różne światło i atmosferę o różnych porach dnia, porach roku i przy wielu typach pogody.

Seria Stogów siana Moneta jest jedną z pierwszych, które opierają się na powtórzeniu tematu, aby zilustrować subtelną różnicę w postrzeganiu kolorów w zależności od pory dnia, pór roku i pogody.

“Portret Halberdiera” autorstwa Pontormo

“Portret Halberdiera” autorstwa Pontormo przedstawia młodego mężczyznę stojącego przed murem twierdzy, trzymającego halabardę.

Halabarda to dwuręczna broń drzewcowa, która stała się powszechnie używana w XIV i XV wieku, a wojska, które używały tej broni, nazywano halabardierami.

Tożsamość osoby nie jest jednak absolutna, florenckie zapisy odnotowały, że podczas oblężenia Florencji w 1528 roku artysta Pontormo namalował portret młodego szlachcica zwanego Francesco Guardi jako żołnierza.

“Wiosna” autorstwa Édouarda Maneta

Wiosna Édouarda Maneta przedstawia paryską aktorkę Jeanne DeMarsy w kwiecistej sukience z parasolem i czepkiem na tle bujnych liści i błękitnego nieba, jako ucieleśnienie wiosny.

Przedstawiona jest w gotowości i patrzy prosto przed siebie, obraz dystansu, mimo że wydaje się w pełni świadoma naszego spojrzenia.

Obraz ten był pierwszym z zaplanowanych kwartetów alegorycznych prac, w których szykowne paryżanki przedstawiały cztery pory roku. Ideą było stworzenie serii sezonów uosabianych przez współczesne ideały kobiet, mody i urody.

Seria nigdy nie została ukończona, a Manet zmarł rok po ukończeniu tylko drugiej z serii, Jesień.

Grecki Kouros (Muzeum Getty'ego)

Ten grecki Kouros w Muzeum Getty'ego to ogromny marmurowy posąg przedstawiający nagiego młodzieńca bez brody w posuwającej się do przodu postawie.

Współczesny termin kouros (liczba mnoga kouroi) odnosi się do wolnostojących starożytnych rzeźb greckich, które po raz pierwszy pojawiły się w okresie archaicznym w starożytnej Grecji i przedstawiają nagich mężczyzn. W starożytnej grece kouros oznacza „młodość, chłopcze, szczególnie szlachetnej rangi”.”

Takie posągi można znaleźć w całym świecie greckojęzycznym. Większość tego typu znaleziono w sanktuariach Apolla.

“Wiosna” autorstwa Lawrence Alma-Tadema

“Spring” autorstwa Lawrence Alma-Tadema przedstawia festiwal Cerealia na klasycznej rzymskiej ulicy tarasowej z marmuru. W starożytnej religii rzymskiej Cerealia było głównym świętem obchodzonym dla bogini zboża Ceres.

Odbywało się przez siedem dni od połowy do końca kwietnia, a ten obraz przedstawia procesję kobiet i dzieci schodzących po marmurowych schodach, niosących i noszących kolorowe kwiaty.

Wiwatujący widzowie wypełniają wszystkie punkty widokowe klasycznych rzymskich budowli.

Ciekawość Tademy starożytnym światem Grecji i Rzymu była niezaspokojona, a jego wiedza została włączona do tego obrazu poprzez detale architektoniczne, stroje, rzeźby i ornamenty oparte na rzymskich oryginałach.

“Portret mężczyzny” autorstwa Paolo Veronese

“Portret mężczyzny” autorstwa Paolo Veronese przedstawia mężczyznę opartego o podstawę konstrukcji z kolumnami. W niszy między kolumnami znajduje się marmurowa rzeźba drapowanej postaci, z której widoczna jest tylko dolna część.

Tożsamość tego człowieka jest zagadką, jednak tropy na obrazie mogą odnosić się do zawodu podmiotu, być może rzeźbiarza lub architekta.

“Euclid’ autorstwa Jusepe de Ribera

Euclid autorstwa Jusepe de Ribera przedstawia „ojca geometrii”, wyłaniającego się z cienia za stołem. Przedstawiony jako uroczysty uczony prezentujący swoją wysłużoną księgę z różnymi figurami geometrycznymi i pseudo-greckimi znakami.

De Ribera skupił wszystkie swoje umiejętności na szczegółach twarzy mężczyzny, od zaniedbanej brody po zmarszczki na czole i fałdy powiek nad ciemnymi oczami.

Przedstawiony jako mężczyzna w podartych ubraniach i poczerniałych, brudnych palcach, aby podkreślić oddanie Euclida raczej intelektualnym niż materialnym dążeniom.

“Wenus i Adonis” autorstwa Tycjana

“Venus and Adonis” autorstwa Tycjana przedstawia Wenus próbującą powstrzymać swojego kochanka Adonisa przed wyruszeniem na polowanie. Jego psy szarpią się na smyczy, odzwierciedlając jego zniecierpliwienie, jak opisano w Metamorfozach Owidiusza.

Kupidyn śpi w tle, symbol oporu Adonisa wobec uścisku Wenus. Historia opowiada o tym, jak pewnego ranka, kiedy Wenus odjeżdża swoim podniesionym do nieba rydwanem, psy Adonisa budzą dzika, który obraca się przeciwko niemu.

Wenus słyszy jęki Adonisa, wyskakuje ze swojego rydwanu i znajduje go umierającego. Z krwi swojego kochanka tworzy delikatny kwiat, którego płatki są rozrzucane na wietrze, nazwany po grecku anemonem i wiatrem.

“Portret markizy de Miramon” autorstwa Jamesa Tissota

“Portret markizy de Miramon” autorstwa Jamesa Tissota przedstawia markizę w różowym, marszczonym peniuaru. Wokół szyi ma czarny koronkowy szal i srebrny krzyżyk.

Za nią znajduje się modny japoński ekran przedstawiający żurawie na złotym tle, a na kominku kilka japońskich wyrobów ceramicznych.

Stołek w stylu Ludwika XVI i popiersie z terakoty sugerują jej arystokratyczny status. Ten obraz był wystawiany na paryskich targach światowych. Thérèse Feuillant (1836 – 1912) odziedziczyła majątek po ojcu, aw 1860 poślubiła Réné de Cassagne de Beaufort, markiza de Miramon.

“Rue Mosnier ubrana we flagi” autorstwa Édouarda Maneta

“Rue Mosnier ubrana we flagi” autorstwa Édouarda Maneta przedstawia paryską ulicę ozdobioną francuskimi flagami na pierwsze święto narodowe, które odbyło się 30 czerwca 1878 roku. Nazywało się “Fête de la Paix” lub w języku angielskim, “Święto pokoju.”

Rue Mosnier, która obecnie nazywa się Rue de Berne, można było zobaczyć ze studia Manet’s przy Rue de Saint-Pétersbourg 4. To płótno przedstawia widok z okna na drugim piętrze, z trójkolorowymi flagami zwisającymi z budynków wzdłuż drogi.

Manet uchwycił wakacyjne popołudnie w górnej części kompozycji z patriotyczną harmonią czerwieni, bieli i błękitu francuskiej flagi powiewającej na ulicy.

W dolnej części kompozycji znajduje się jednonogi mężczyzna o kulach, prawdopodobnie weteran ranny w wojnie francusko-pruskiej. Na dole jest też człowiek niosący drabinę, a po lewej płot powstrzymujący gruz z prac budowlanych.

Ulica miejska była przedmiotem zainteresowania malarzy impresjonistów i modernistów. Manet odzwierciedlał transformację i rozwój epoki industrialnej oraz jej wpływ na społeczeństwo.


Starożytne początki korony kwiatowej

Kwiatowa korona jest dziś modnym dodatkiem, który jest synonimem biesiadników Coachella i panny młodej w stylu boho, ale nie jest niczym nowym: noszenie liści i kwiatów jako nakrycia głowy ma bogatą historię sięgającą starożytnego świata klasycznego.

Od starożytności okrągły lub podkowy kształt wieńca był symbolem chwały, mocy i wieczności. W starożytnej Grecji i Rzymie wiele koron wykonywano z wełny i liści, takich jak liście mirtu i bluszczu, i zdobiono je różnymi kwiatami, które w czasie miały różne skojarzenia.

Starożytni bogowie i boginie byli często reprezentowani w sztuce i literaturze nosząc określone rośliny im poświęcone. U Owidiusza Metamorfozy, pięknej nimfie Daphne udaje się uciec od swojego prześladowcy, boga Apolla, zamieniając się w drzewo laurowe. Apollo odcina gałąź z drzewa i woła: „Chociaż nie możesz być moją żoną, przynajmniej będziesz moim drzewem, zawsze będę nosić cię na moich włosach, na moim kołczanie, o Laurel”. (557-559). Dotrzymuje słowa, w wyniku czego często przedstawiany jest w wieńcu laurowym jako symbol jego miłości do Daphne. Apollo jest bogiem poetów i pisarzy iz tego mitu pochodzi określenie poeta-laureat, którego używamy dzisiaj.

Liście topoli białej kojarzyły się z Herkulesem, który według tradycji sprowadził drzewo do Olimpii z północno-zachodniej Grecji.

Herkules w wieńcu. Posąg Herkulesa, 100-199 AD, Rzym. Marmur z polichromią o wysokości 46 cali. Muzeum J. Paula Getty'ego, 73.AA.43.1. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

Starożytni Grecy po raz pierwszy wprowadzili koronę jako honorową nagrodę dla zwycięzców zawodów sportowych, wojskowych, poetyckich i muzycznych. Na przykład Igrzyska Pytyjskie odbywały się w Delfach co cztery lata na cześć Apolla, a zwycięzcy tradycyjnie otrzymywali wieniec laurowy. Drzewo laurowe pochodzi z regionu Morza Śródziemnego i było ważnym symbolem zwycięstwa, osiągnięć i statusu.

Oliwkowe wieńce wręczono także zwycięzcom zawodów sportowych, jak nagi młody mężczyzna pokazany poniżej. Dzikie drzewa oliwne rosły w Olimpii, gdzie odbywały się igrzyska olimpijskie, a zwycięzcom tych igrzysk wręczano wieńce oliwne. Mógł być biegaczem, zapaśnikiem lub ciężarowcem, który koronuje się lub zdejmuje wieniec, aby poświęcić go bogom na znak pobożności.

Młody mężczyzna wieńczący się oliwkowym wieńcem. Posąg Zwycięskiej Młodzieży, 300–100 p.n.e., Grek, Brąz z inkrustowanymi miedzianymi sutkami, wysokość 59 5/8 cala. Muzeum J. Paula Getty'ego, 77.AB.30. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

Symbolika wieńca laurowego przetrwała do dziś. Wyróżniał się na przykład na projekcie medalu na Igrzyska Olimpijskie w Rio 2016.

Starożytni Rzymianie kontynuowali tradycję korony jako nagrody za triumf. Ubrali swoich przywódców i personel wojskowy w korony wykonane z wawrzynu, dębu lub mirtu. Korona z trawy lub korona obsidionalis było najwyższym odznaczeniem wojskowym, nadanym przez oblężoną armię generałowi, który je wyzwolił. Był zrobiony z trawy, chwastów i polnych kwiatów zebranych w miejscu, gdzie armia została zaatakowana.

Profil mężczyzny noszącego wieniec laurowy, co wskazywało, że prawdopodobnie miał wysoką rangę wojskową. Kamea, 1700–1800, europejska. Muzeum J. Paula Getty'ego, 83.AL.257.15, Spadek po Eli Dżeddah. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

Korony kwiatowe były również noszone podczas uroczystości i uroczystości, podobnie jak dzisiaj, były one zwyczajowe podczas wydarzeń takich jak składanie ofiar Bogom i uczty. Na przedstawieniach greckich mężczyzn na sympozjach (arystokratycznych przyjęciach pijackich) często widzimy postacie noszące wieńce. Wierzyli, że ciasne zawiązanie fileta wokół głowy może złagodzić ich pijaństwo – choć współcześni uczestnicy festiwali mogą się z tym nie zgodzić. Były one pierwotnie wykonane z wełny, ale później ozdobione kwiatami i płatkami róż, fiołków, mirtu i pietruszki.

Kielich Wina z młodością i mężczyzną, 450–440 p.n.e., przypisywany malarzowi Euaion. Terakota, 15 9/16 cala śr. Muzeum J. Paula Getty'ego, 86.AE.682. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

W Rzymie festiwal Floralia odbył się na cześć Flory, bogini kwiatów, roślinności i wiosny – nic więc dziwnego, że nakrycie głowy z płatków kwiatów i splecionych winorośli było niezbędnym dodatkiem. Na tym przedstawieniu posągu Flory przedstawiono ją trzymającą koronę z kwiatów.

Statuetka Farnese Flora, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 cala. Muzeum J. Paula Getty'ego, 84.XB.935.23.3.83. Cyfrowy obraz dzięki uprzejmości Getty’s Open Content Program

W Europie to święto religijne obchodzono później jako świecki majowy dzień. Na obrazie Alma-Tademy Wiosnaartysta reprezentuje tę uroczystość i tradycję wysyłania dzieci po kwiaty pierwszego dnia maja. Procesja kobiet i dzieci nosi kolorowe kwiatowe korony i niesie kosze z kwiatami. Alma-Tadema miał obsesję na punkcie starożytnego świata, a nawet umieścił tę wiktoriańską uroczystość w wyimaginowanym starożytnym Rzymie.

Procesja kobiet i dzieci w koronach z kolorowych kwiatów. Wiosna, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Olej na płótnie, 70 1/4 × 31 5/8 cala. Muzeum J. Paula Getty'ego, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Dalsza lektura

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

Podążaj za słońcem

Usługi

©News Group Newspapers Limited w Anglii nr 679215 Siedziba: 1 London Bridge Street, London, SE1 9GF. „The Sun”, „Sun”, „Sun Online” są zarejestrowanymi znakami towarowymi lub nazwami handlowymi News Group Newspapers Limited. Ta usługa jest świadczona zgodnie ze standardowymi warunkami News Group Newspapers Limited, zgodnie z naszą Polityką prywatności i plików cookie. Aby zapytać o licencję na powielanie materiałów, odwiedź naszą witrynę Syndication. Zobacz nasz pakiet prasowy online. W przypadku innych zapytań skontaktuj się z nami. Aby zobaczyć całą zawartość The Sun, skorzystaj z mapy witryny. Witryna Sun jest regulowana przez Niezależną Organizację Standardów Prasowych (IPSO)


Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Nature, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Muzeum J. Paula Getty'ego collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Muzeum J. Paula Getty'ego collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Obejrzyj wideo: DISCOVER THE J. PAUL GETTY MUSEUM. Los Angeles, California.